Guión del capítulo piloto de “Breaking Bad”

Inauguro esta nueva categoría de mi blog publicando el guión del episodio piloto de “Breaking Bad” escrito por Vince Gilligan. 

Quién me iba a decir que estas páginas eran sólo el comienzo de lo que posteriormente se convirtió en una auténtica adicción. Incluso sufrí el “Síndrome de Don Quijote”

Breaking-Bad-Season-1

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REFLEXIONES SOBRE EL REPARTO DE DERECHOS DE AUTOR EN SERIES DE TV

Bloguionistas

Por Natxo López

La autoría de obras Audiovisuales genera ciertos derechos de remuneración irrenunciables que “rescatan” para el autor parte de los beneficios que su obra genera a productoras y televisiones, y que son gestionados por las Entidades de Derechos de Gestión de Autor (en el caso del guión, DAMA o SGAE). El acuerdo tácito que se suele seguir ahora mismo a la hora de repartir esos beneficios entre los diferentes creadores es el siguiente:

25% Música
25% Dirección
25% Argumento
25% Diálogo

Esto no es una norma invariable y se puede modificar. En muchas series de televisión (por ejemplo, en sitcoms) la importancia y presencia de la música es mucho menor que la del guión, y se dan casos de producciones en las que el porcentaje para el compositor o compositores se ha reducido a un 20, un 15 o incluso un 10%.

En televisión la parte correspondiente…

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Un paseo nocturno

 

¿De qué vas? ¿Qué haces cargando con ese ser? ¿Es que no te das cuenta de que no vale para nada? _Pregunta Sabiondo, que se cree poseedor de la verdad absoluta.

 Callejero está harto de que todos los felinos de la calle se metan con él. 

Sabiondo insiste _Es un parásito que lo estropea todo. Un   energúmeno que para lo único que sirve es para quitarnos el espacio, ensuciar nuestro pelaje con sus sucias manos  y malgastar y despreciar nuestro afecto. Él y todos los de su especie.  Ha sido así durante siglos. 

Callejero no hace caso. Nunca va a abandonarle y menos ahora a estas alturas. Lleva con él casi toda una vida gatuna.

Y con paso altivo tan típico de los que llevan razón y lo saben, Sabiondo, que un día vivío entre cojines y rodeado de  mimos, se aleja sin mirar atrás.

Le sigue toda una corte de felinos banduendos.

Callejero se sienta sobre el pecho de su amigo que duerme en el suelo sobre cartones. Acerca su hociquillo, le olisquea y empieza a lamerle la frente, las mejillas, la nariz. El hombre ni se inmuta, está como un tronco y ronca ¡Cómo ronca! Después de dejarle la cara como una patena, Callejero se lava a sí mismo. Se lava bien, a conciencia.  Ya se sabe como son los gatos con el tema de la higiene…Y justo cuando ha terminado, cuando se ha tendido exhausto sobre el pecho del vagabundo, la mano mugrienta de éste le acaricia la cabeza, las orejas, la cara, el hocico… le masajea el cuello…

Callejero, resignado, hace intento de volverse a lavar pero desiste por completo…

Y ronronea. ¡Cómo ronronea!

 

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Enterrado (Buried) 10 nominaciones a los premios Goya.

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España ha tenido el acierto de nominar Buried en 10 categorías para los Goya . Por lo tanto republico mi entrada de hace unos meses.

Con el tiempo, las cosas se ven con perspectiva. En este caso, y mirando con algo de distancia me reafirmo sin cambiar ni una coma.

Entrada escrita el 3 de octubre de 2010.

“Aun tengo el corazón en un puño, la sangre helada. Siento ansiedad,  necesidad de respirar.  Anoche fui a ver “Buried” (Enterrado). Más que por ver una película, fui porque quería saciar mi curiosidad, saber cómo se escribe un guión que, según decían por ahí, funcionaba a la perfección a pesar de  desarrollarse en su totalidad dentro de un ataúd. Quería comprobarlo con mis propios ojos.

Mientras esperaba en mi butaca a que empezara la película, empecé a pensar en que ya antes se habían utilizado espacios mínimos para contarnos historias con algún punto en común. Recordé la sensación de claustrofobia y pánico que Edgar A. Poe relataba en “El Entierro Prematuro” . Leí esa narración antes de llegar a la adolescencia y quedé petrificada, traumatizada durante meses. Muchas noches me despertaba con miedo de incorporarme en la cama y golpearme la cabeza con la tapadera de mi ataúd. Y también se me vinieron a la cabeza películas como:  “La Cabina”,  “Última Llamada”,  “El gran carnaval

Kill Bill Vol2

Aunque, claro,  en todas ellas teniamos exterior y/o el encierro no era durante toda la película; no resultaban tan traumáticas para el espectador. Y, cómo no, recordé:   “The Alfred Hitchcock Hour” el capítulo:  “Final Escape”

Inolvidable, e inevitable preguntarse al final del capítulo “¿Y ahora qué?, ¿Qué le pasa, ¿Cómo llega a morirse? ¡Qué soledad! ¡Qué terror! ¡Qué miedo saber que estás tú solo y la muerte! Terrible, ¿Eh?  Así es que, mientras esperaba a que se apagaran las luces de la sala, pensaba “¿Qué tendrá ésta de especial?” “¿Será tanto como dicen?” “Seguro que me decepciona. No es bueno llegar a ver una película con tan altas expectativas. “Menos mal que solo vengo por curiosidad del guión”

Y  la sala se quedó a oscuras, la pantalla en negro, y empezaron los primeros instantes de “Buried”. Y de ahí, hasta ahora, la película todavía dura.

La película de Rodrigo Cortés empieza donde termina el capitulo de Hitchcock. Allí donde empiezan mis preguntas. Toda esa angustia que yo había imaginado que debía sufrir el personaje que se quedaba  enterrado una vez terminado el capítulo de “La hora de Alfred Hitchcock” ,   Cortés la describe en imágenes como nadie.

Y no tengo mucho más que decir sobre “Buried”. Hay demasiadas críticas, demasiados análisis y todos muy buenos.

Solo diré un par de cosas relacionadas con emociones.

Hacía mucho tiempo que no me acercaba tanto a un personaje, que no empatizaba tanto con el protagonista de una historia como lo he hecho con Paul Conroy. Han transcurrido mas de 24 horas y no he pasado ni una de ellas sin recordar con mucha amargura su situación.

-A partir de aquí, hay spoilers-

“Buried” no es solo la película que vi ayer. Es todo lo que he sentido después.  Detalles que, conforme pasan las horas, van creando una  tela de araña. Imaginar la vida de un hombre cualquiera que se va a Iraq porque necesita dinero; a su mujer recibiendo la llamada de algún energúmeno que le dice  que finalmente a su marido no le han encontrado. Buf! recordar esa llamada entre él y ella; esa llamada  que los ha tenido tan cerca y a la vez tan lejos; ella intentando llamarle una y otra vez y ya no obtener respuesta;  la madre de Paul sin enterarse de nada; las noticias dadas con cuentagotas por los medios de comunicación,…  la desinformación, la hipocresía, las cortinas de humo, todo lo que se queda enterrado y que nunca sale a la luz. Un montón de cosas y sobre todas ellas: El último minuto de la película. El peor minuto de todos los minutos. Y el personaje de Paul tratado  de principio a fin de la forma más despiadada  y cruel en toda la historia del cine mundial. Desde que acabó la película hasta ahora mismo, la amarga sensación de dejar a Paul allí solo no se me va de la cabeza porque he compartido con él la angustia de sus últimas horas. Pasan los créditos y espero con ansiedad un giro milagroso que me deje salir feliz, tranquila de esa caja en la que se ha convertido la sala de cine. Pero no es así ¡Menos mal! Porque si Paul se hubiera salvado, para mi  la película se habría quedado a medias. Le faltaría todo lo que está pasando por mi cabeza desde ayer hasta hoy. Salgo de la sala y lo dejo allí enterrado. La tapadera del ataúd llena de notas inútiles, el teléfono sin batería, las linternas, el bolígrafo…Sé lo que ha pasado dentro del ataúd.

En mi opinión,  “Buried” es altamente recomendable. De lo mejor que he visto en muchos años. Y le sumo además que es una película española. Espero y deseo que se coma el mundo.

En el próximo capítulo hablaremos del guionista.”

13 de enero de 2011. He de decir que a dia de hoy aun no he hablado del guionista.

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Star Wars, los episodios desordenados, y la era del videoclub.

Un día importante en el la vida de cualquier niña es el día que descubre que tener una cinta vhs es tener un tesoro. Una niña ignorante con la cara manchada de chocolate descubre que las películas hay que hacerlas. Porque igual que se aprende que los deberes no se hacen solos y que los “Reyes Magos” no son los que se beben la copita de orujo, también se descubre que las películas tienen truco.

Como soy un fantasma viejo, cascarrabias y amargado…a veces, me puedo permitir el lujo de contar batallitas.

Ya he hablado de mis queridas VHS son mi tesoro, “My precious”, mi reliquia, por eso hoy vuelvo a hablar de ellas.

 La era del videoclub.

Episode IV: A New Hope

Epidode V: The Empire strikes back

Después del Episodio IV y del V, pasé varios meses de mi infancia preguntándole al dueño de nuestro videoclub habitual por el Episodio I,  II y III. Yo quería seguir un orden temporal, por supuesto! Y disfrutar del pastel como es debido. Sentía que había cometido un terrible error  habiendo visto los episodios IV y V sin haber visto los anteriores, así es que pensé que el dueño del vidoclub me daría la respuesta. Él debía saberlo todo sobre ese misterio; tenía todas la películas…De modo que mientras mis padres revisaban las estanterías en busca de entretenimiento para el fin de semana, yo remoloneaba por los pasillos  planeando cómo hacer la pregunta sin hacerle enfadar…sí, digo sin hacerle enfadar porque solía preguntarle cada fin de semana y de manera recalcitrante.

Yo: ¡Oiga! oiga, ¡señor, señor, señor,…! ¿Cuándo va a recibir los episodios anteriores?

Dueño: Están prestadas…

Yo: ¿Prestadas? ¿otra vez? ¡Están prestadas siempre!

Con su respuesta este señor lo único que hacía era crear expectativas. ¡¡Más aun!!

Yo: Pero…y si están prestadas ¿Dónde está la caja de la cinta con el letrerito color NARANJA en el que se lee “alquilada”?

Dueño: No sé niña, déjame trabajar.

Yo: Papá, este hombre trae las películas desordenadas.

El pobre hombre se volvía loco intentando responder a una jodida niña que medía poco más de  un metro y que no dejaba de preguntar por algo que él no conocía. Y si al menos hubiera tenido a mano santo Google bendito, pues el pobre hombre habría googleado (de googlear), pero antes no estaba tan a mano.

 Y un día:

Yo: ¡Señor, señor…!

Dueño: Aquí las tienes. Son éstas. Y a ver si te callas ya. Llévatelas. Estas son del “espacio”, también

Yo: OH!

Ojos como platos.

Y llegué a casa toda ilusionada; me senté frente al televisor y:

¡¡¡¡¡¡Cómo!!!!!

¿Orejas puntiagudas, peinados con flequillo, raya de ojos, trajes de colores, decoración setentera, Entrerprise,? ¡sorpresa!

 “¡Pero que cosa es ésta!” (con todos mis respetos a mis queridos trekkies , luego más adelante descubrí el valor de “Star Trek” pero en aquel momento me sentí tan decepcionada).

¿Qué se pensaba el videoclubero, que me podía engañar? ¿Y las espadas láser,  la Fuerza, El cutre Halcón Milenario, … ¿¿¿Y todos esos personajes???… Yo era una niña, no una estúpida.

Y tuvimos que cambiar de videoclub. Bueno, a parte de por lo pesadita que me ponía,  la verdadera razón fue también porque un día le devolvimos sin darnos cuenta las películas de su videoclub rival…¡buf, qué vergüenza!. Nos dio bochorno volver.

 Fue el propietario de ese nuevo videoclub, un hombre vestido con unas camisetas negras alucinantes, quien me explicó que los tres primeros Episodios no existían, porque todavía no se habían hecho…Como mucho me podía llevar el Episodio VI, El Retorno del Jedi

 Yo: “¿Hecho?” 

Dueño del Nuevo videoclub: Sí, niña, aun no se han hecho. Las películas hay que hacerlas.

¿Hacer películas, películas, películas, películas? ¿Quien hacía las películas?
¿Quién hacía las películas?
¿Quién hacía las películas?

No entendía nada de nada.

Y  desde entonces los Reyes Magos empezaron a traerme películas VHS. Una al año (tampoco fueron muchas, porque al poco tiempo descubrí que los que se bebían el orujo no eran los Reyes Magos..). Y además, mangaba las cintas virgenes de mis padres. Les ponía celo, las borraba y grababa  dos películas por cinta.

 Y ya está.

A modo de curiosidad:

“VHS de Star Wars comenzó a comercializarse a partir de 1980, cuando el formato VHS ya gozaba de una gran popularidad. La primera vez que la saga estuvo disponible oficialmente a la venta en formato de video fue el 1 de septiembre de 1982. []En diciembre de 1984, se estrenó The Empire Strikes Back en VHS y Betamax.  Al año siguiente, en 1985, se lanzaron las dos primeras cintas de la trilogía original en formato LaserDisc mientras que al año siguiente debutó Return of the Jedi en formato de video casero……En 1992, la trilogía debutó en formato de pantalla ancha en VHS, en el paquete Star Wars Trilogy Special Letterbox Collector’s Edition, conteniendo el video titulado From Star Wars to Jedi: The Making of a Saga a manera de material adicional…….En 1997 la trilogía fue remasterizada y se redistribuyó en las salas de cine (a unas cuantas semanas de diferencia entre cada película, a partir de enero), y más tarde en VHS bajo el nombre de «Ediciones Especiales». Además de una limpieza hecha a los negativos, Lucas agregó y cambió la mayoría de las escenas para convertir cada película en lo que originalmente había planeado”.

 En fin, cosas que pasan.

 Del VHS al Laserdisc, después al dvd, al blu-ray…

Y  llegar al holograma… solo es un paso.

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De “The awful truth” a una clase de Historia

Moneando he empezado a revisar mis gloriosas VHS y he encontrado  La Pícara Puritana  (¡menuda traducción de “The Awful Truth”, madre mía!) y, … ¿por millonésima vez ? me la he tragado enterita.

  Y es que es genial. Una estupenda comedia americana de 1937. Casi me ahogo y vuelvo a morir. ¡Qué lagrimones…! Durante un ratito mis problemas fantasmales se han ido al infierno. Se agradece, la verdad.  Porque según parece estamos en crisis ¿Sí?. Una terrible crisis económica que nos hace rascarnos los bolsillos y cerrar el puño más de la cuenta. Si mi intuición de fantasma no me engaña, esta situación va a durar más de un año, dos años, tres años…la Luna era un año que se me escapó.

¿Cómo conseguiremos evadirnos hoy en día de nuestras miserias? Me refiero a cosas “buenas, bonitas y baratas que no tengan nada que ver con el trabajo. Vamos a ver que posibilidades tenemos: Lectura, dormir la siesta, pasear al perro, embelesarse, ver “Españoles en el mundo”,… ¿Qué más? ¡Ah! sí, ¡Internet!. Internet hoy en día nos hace evadirnos un montón, nos saca de nuestros sillones, nos lleva a Rusia, Turquía, Nueva Zelanda,  Hobbiton, Alderaan,… nos montamos un Second Life, nos hacemos un perfil de Facebook y nos hartamos a Photoshop que es mucho más barato y útil que la cirugía plástica. A ver ¿Qué más?…a ver, a ver, ah sí, eso, el cine. El cine que siempre está ahí aunque cada vez sea más caro y menos agradecido, pero en fin. Cine. Entretenimiento cien por cien. (Esto ha sido una fantasmagórica reflexión)

 Al terminar “The Awfull Truth” no he podido evitar pensar en ese estilo de comedia que se desarrolló en Estados Unidos en la década de los 30 y que se ha denominado “Screwball Comedy” . ¿Alguien se ha dado cuenta si en estos años de crisis, ha surgido algún género cinematográfico del que se hablará en tiempos futuros? Sí, me refiero a si hay ya trazas de algún nuevo estilo que será estudiado por las nuevas generaciones de gentecilla del cine? Un cine que se caracterice por currarse una temática que nos alegre las tardes del frío invierno sin pensar en los euros que nos gastamos en él. Sé que hay formas fraudulentas e ilegales de disfrutar del cine en casa: Mulas, Torrents… Ya, ya…pero no es lo mismo, y aunque solo sea una vez a la semana o al mes, se agradece bastante ir al cine con toda la parafernalia que esto conlleva. Quizás aun sea pronto para sacar conclusiones o mirar con perspectiva. Tal vez dentro de unos veinte años se pueda hablar de un género cinematográfico, o de un estilo de algún género cinematográfico que surgió a principios del siglo XXI para sacar al espectador de su  “apatatamiento”… Algo similar a lo que sucedió en Estados Unidos a principios de los años treinta. Me refiero a la Screwball comedy, o Comedia Sofisticada. ¿Quizás “Torrente” en 3-D sea el inicio de ese género? o ¿Quizás se confunden todos aquellos que creen que los espectadores inteligentes serán capaces de aguantar más de tres pelis en 3d con cero interés argumental? Lo llevan claro los que piensan eso.

Cabe preguntarse por qué este estilo de comedia, la Screwball, tuvo un público tan agradecido y numeroso.

¿Cómo lo hicieron?  

Pongámonos en situación. Estamos en Estados Unidos, año 1929, 29 de octubre en adelante. Eso da pistas ¿no?

Del optimismo de los locos años 20 se pasa a la crisis económica,  La gran depresión y puesta en cuestión de los valores que hasta entonces habían sustentado el espíritu “americano“.

La “Screwball Comedy” es la evolución natural de lo que se conoce como “Slapstick” cine cómico del cine mudo,  un cine dinámico, que daba libertad a las cualidades cómicas de unos actores que disfrutaban rompiendo decorados. Un cine que daba más importancia a la reacción de los personajes que al sentido dramático de la acción. Mucha   pantomima.

Con la llegada del sonoro no le queda más remedio que evolucionar.

La pantomima deja lugar a la palabra y los inventores de gags del cine cómico mudo dejan paso a los dialoguistas… guionistas propiamente dichos y que conste que no me gusta decirlo así pues ya antes se les podía considerar como tal; ya se sabe: “Un guionista no solo escribe diálogos”. Los guionistas son guionistas desde que el cine es cine. ¿No? Según tengo entendido, todo comenzó un día en un tranvía con dirección a un set de rodaje. Un hombre ¿O fue una mujer?  Quién sabe, todos lo hacían. Pues eso, una persona de aspecto cansado, desaliñado y con cara de haberse pasado casi toda la noche sin dormir se anota en los puños de la camisa un par ideas para añadir a la película. Así empezó todo, pero no nos desviemos.

¿Qué tienen de nuevo estas nuevas comedias?

Van a ser mas largas y los acontecimientos se hilvanan de manera más distendida. El ritmo vertiginoso se desacelera. Lo malo va a ser, que  con la llegada del sonoro todo se encarece un poquito más; ya no se puede ir rompiendo decorados a diestro y siniestro. No, no, eso ya no. Supone demasiado gasto. De modo que se buscan decorados mucho más funcionales que lo mismo valen para un roto que para un descosido.

Los personajes tienen entidad psicológica. Se construye una dramaturgia más desarrollada. La inmensa mayoría de los actores provienen del music hall.

Sigue habiendo gags, pero ahora cada gag está controlado rigurosamente en el tiempo. Precisión casi matemática. Y estas películas se encargan de que el espectador se evada de todos esos problemas. Para ello se incorporan  personajes o situaciones típicos de la depresión  y se les da salidas imaginarias, extravagantes, poco comunes. La mayoría transcurren en entornos super sofisticados, y los actores llevan un vestuario maravilloso. El humor, perdura y ¡qué humor! Ya no solo la pantomima del cine cómico del cine mudo.  Ahora pasa a ser un humor intelectual. Lo cómico es un instrumento tan válido como cualquier otro para retratar la realidad.

La mujer se convierte en un elemento determinante. Se encuentran comedias donde el protagonismo lo lleva la mujer: Se invierten los roles. La guerra de los sexos se utiliza para hacer despliegue de los códigos de humor. La comedia es el medio preferido para tratar temas sexuales de manera sutilmente contada; un enorme doble sentido debido a la influencia del Código Hays (nada mejor que la censura y la falta de pasta para agudizar en ingenio).

Los estudios contratan a novelistas, dramaturgos, periodistas. Se introduce un humor más adulto, intelectual y maduro: Anita Loos, Charles Brackett, Ben Hecht, Charles MacArthur y Preston Sturges. Todos ellos van a trabajar durante mucho tiempo en estrecha relación con los inventores de gags.

Hay una gran diversidad de estilos. Todo dependerá de la mezcla director-guionista, ya que había una colaboración estable entre el director y su guionista de confianza:

Samson Raphaelson y Ernst Lubitsch; Leo McCarey con Viña del MarMorrie Ryskind con Gregory La CavaFrank Capra y Robert Riskin

Los comportamientos casi infantiles del cine mudo han dejado paso a las reacciones de personajes adultos en un mundo adulto y su complicidad con el espectador, un espectador que lo pilla todo absolutamente, llega hasta lo mas escondido y recóndito de esas situaciones y diálogos chispeantes y llenos de doble sentido.

Y así es como sucedió. La Screwball es uno de los grandes momentos en los que Hollywood nos enseña como hacer caja en tiempos de crisis y cómo ese espectador con el agua al cuello (economicamente hablando) abre un poquito el puño cuando se trata de ir al cine a disfrutar (este disfrutar no se refiere a que necesariamente nos riamos a carcajadas…eh? a buen entendedor…)

Fin

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The Duelling Cavalier

Singin’ in the rain, 1952

Guión: Betty Comden y Adolph Green

Director: Stanley Donen y Gene Kelly

El musical es un género cinematográfico que se caracteriza por incluir números de música y/o canto y/o baile en mitad o en cualquier momento del desarrollo de una pelicula.

En un principio, eran números  sin conexión con la historia, casi, para dar un respiro, pero después, cuando las productoras vieron que el público se acostumbraba a esas cancioncillas y bailes, y que además, disfrutaba con esa “innovación” , los números se mejoraron notablemente  llegandose a utilizar para  el desarrollo de la narración y como parte importante de la misma.

Singin’ in the Rain” es el músical por excelencia. Y además,  trata  el cine dentro del cine, que es algo que a mi personalmente me encanta. Una estupenda lección de historia que nos cuenta deliciosamente el paso  al sonoro y lo que supuso para las estrellas del mudo ponerse a hablar ante la cámara.

¿Y para los espectadores? ¡Buf, menudo impacto tuvo que ser para los espectadores escuchar hablar a sus actores! ¡Ya que se habían acostumbrado a eso del cine…!

Menos mal que el espectador se acostumbra rápido a “casi” todo (mirad, en dos días nos estamos haciendo al 3-D, aunque no tanto a las gafas, que son muy incomodas o al menos eso comentaba mi cuerpo de guionista patética. Sería de agradecer una mejora en las gafas ¡ya! lo exijo. Con lo caro que es el 3-D menester sería que nos dieran unas gafas bien higienizadas, pulcras y más COMODAS, por favor).

A lo que iba, me puedo imaginar a aquellos espectadores de las primeras proyecciones sonoras:

Primera fila de butacas. Espectadores expectantes. La actriz principal entra. Lánguida, caidita de ojos,  eteréa,… tan delicada, ella. Y de pronto: Zas!!! abre la boca y su voz es… ah!! peor que terrible! Los espectadores de la primera fila  clavados en la butaca. Ojos como platos. Mandíbula desencajada:  “Oh my godness!!”

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Buried (Enterrado) 10 nominaciones a los Goya.

“Aun tengo el corazón en un puño, la sangre helada. Siento ansiedad,  necesidad de respirar. Anoche fui a ver “Buried” (Enterrado). Más que por ver una película, fui porque quería saciar mi curiosidad, saber cómo se escribe un guión que, según decían por ahí, funcionaba a la perfección a pesar de  desarrollarse en su totalidad en un ataúd como única localización. Quería comprobarlo con mis propios ojos.

Mientras esperaba en mi butaca a que empezara la película, empecé a pensar en que ya antes se habían utilizado espacios mínimos para contarnos historias con algún punto en común. Recordé la sensación de claustrofobia y pánico que Edgar A. Poe relataba en “El Entierro Prematuro” . Leí esa narración antes de llegar a la adolescencia y quedé petrificada, traumatizada durante meses. Muchas noches me despertaba con miedo de incorporarme en la cama y golpearme la cabeza con la tapadera de mi ataúd. Y también se me vinieron a la cabeza películas como:  “La Cabina”,  “Última Llamada”,  “El gran carnaval

  “Kill Bill Vol2

Aunque, claro,  en todas ellas teniamos exterior y/o el encierro no era durante toda la película; no resultaban tan traumáticas para el espectador. Y, cómo no, recordé:   “The Alfred Hitchcock Hour” el capítulo:  “Final Escape”

Inolvidable, e inevitable preguntarse al final del capítulo “¿Y ahora qué?, ¿Qué le pasa, ¿Cómo llega a morirse? ¡Qué soledad! ¡Qué terror! ¡Qué miedo saber que estás tú solo y la muerte! Terrible, ¿Eh?  Así es que, mientras esperaba a que se apagaran las luces de la sala, pensaba “¿Qué tendrá ésta de especial?” “¿Será tanto como dicen?” “Seguro que me decepciona. No es bueno llegar a ver una película con tan altas expectativas. “Menos mal que solo vengo por curiosidad del guión”

Y  la sala se quedó a oscuras, la pantalla en negro, y empezaron los primeros instantes de “Buried”. Y de ahí, hasta ahora, la película todavía dura.

La película de Rodrigo Cortés empieza donde termina el capitulo de Hitchcock. Allí donde empiezan mis preguntas. Toda esa angustia que yo había imaginado que debía sufrir el personaje que se quedaba  enterrado una vez terminado el capítulo de “La hora de Alfred Hitchcock” ,   Cortés la describe en imágenes como nadie.

Y no tengo mucho más que decir sobre “Buried”. Hay demasiadas críticas, demasiados análisis y todos muy buenos.

Solo diré un par de cosas relacionadas con emociones.

Hacía mucho tiempo que no me acercaba tanto a un personaje, que no empatizaba tanto con el protagonista de una historia como lo he hecho con Paul Conroy. Han transcurrido mas de 24 horas y no he pasado ni una de ellas sin recordar con mucha amargura su situación.

-A partir de aquí, hay spoilers-

“Buried” no es solo la película que vi ayer. Es todo lo que he sentido después.  Detalles que, conforme pasan las horas, van creando una  tela de araña. Imaginar la vida de un tipo cualquiera que se va a Iraq porque necesita pasta; a su mujer recibiendo la llamada de algún energúmeno que le dice  que finalmente a su marido no le han encontrado. Buf! recordar esa llamada entre él y ella; esa llamada  que los ha tenido tan cerca y a la vez tan lejos; ella intentando llamarle una y otra vez y ya no obtener respuesta;  la madre de Paul sin enterarse de nada; las noticias dadas con cuentagotas por los medios de comunicación,  la desinformación, la hipocresía, las cortinas de humo, todo lo que se queda enterrado y que nunca sale a la luz. Un montón de cosas y sobre todas ellas: El último minuto de la película. El peor minuto de todos los minutos. Y Paul, el personaje tratado  de principio a fin de la forma más despiadada  y cruel en toda la historia del cine mundial. Desde que acabó la película hasta ahora mismo, la amarga sensación de dejar a Paul allí solo no se me va de la cabeza porque he compartido con él la angustia de sus últimas horas de  vida. Pasan los créditos y espero con ansiedad un giro milagroso que me deje salir feliz, tranquila de esa caja en la que se ha convertido la sala de cine. Pero no es así ¡Menos mal! Porque si Paul se hubiera salvado, para mi  la película se habría quedado a medias. Le faltaría todo lo que está pasando por mi cabeza desde ayer hasta hoy. Salgo de la sala y lo dejo allí enterrado. La tapadera del ataúd llena de notas inútiles, el teléfono sin batería, las linternas, el bolígrafo…Sé lo que ha pasado dentro del ataúd.

En mi opinión,  “Buried” es altamente recomendable. De lo mejor que he visto en muchos años. Y le sumo además que es una película española. Espero y deseo que se coma el mundo.

En el próximo capítulo hablaremos del guionista.

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“Lope”…sencillamente prescindible. Muy prescindible. Ahórrense su dinero.

De verdad, como fantasma que soy, hoy he llegado a la conclusión de que con películas como “Lope” estoy pagando una especie de penitencia o algo parecido  por haber llevado la vida que he llevado en un periodo anterior. ¿Será posible?

He ido con ilusión; imaginando que apretaba ojos y puños, con ganas de emocionarme y de salir contenta de la sala, pero ha sido inútil. Inútil. He estado a punto de rendirme a la mitad. Y no me he cargado el proyector, porque como fantasma,  aun no estoy preparada para estropear cosas tan grandes.
“Lope” podría servir como ejemplo para definir lo que yo considero una película “incorrecta”.  Y conste en acta que ésta es mi opinión, una opinión con la que mucha gente está siempre en desacuerdo. Para gustos colores y ¡Qué vida tan aburrida y gris si todos pensásemos igual!

Argumento mi opinión empezando  antes de nada y por la parte que me toca  (no te enfades Jordi) por el guión (un guión a 4 manos a veces a 6). Un guión lineal, sin emoción sin  estructura aparente (igual que el de Alatriste), con diálogos obvios y la mayoría de las veces ininteligibles debido a un sonido sucio, y a la malísima dicción de actores como Juan Diego, por ejemplo. Ya, ya, eso no es culpa del guionista, …¿O sí? Vale, en la dicción ni pincha ni corta, pero en lo demás, yo creo que un poco…en parte sí. Los diálogos son forzados y explicativos, demasiado teatrales y ñoños. Suenan bien en la cabeza del guionista o si se recitan en un escenario tipo El Corral de Comedias de Almagro o similar, pero nunca en un cine y recitados por actores que bastante tienen con hacer creíble un dialogo del siglo XX…como para encima, plantarles uno del XVI. Que no, que no, que este género es un camino espinoso del que lo normal es salir malparado. Que nos gastamos una cantidad ingente de dinero para crear una película tipo superproducción “jolibudiense”  que por fin nos sacará de nuestra desgracia y sale un fiasco que vuelve a cabrear a un público que ya casi estaba redimiendo a mi querido cine español.  Que conste, que hay excepciones, y que hay películas de este genéro que, en mi opinión, son estupendas. ¿Quién no recurda “El perro del Hortelano” ? Pero claro, el guión de esa era una adaptación de una obra de ¡Quién? de Lope de Vega. Y es que lo primero que habría que hacer sería tener una buena historia y de ahí un buen guión. No sé si lo que he visto es el resultado de lo que se consideró guión final. Igual, no. Ya se sabe que un guión cerrado es una utopía maravillosa y probablemente el guión de “Lope” sufrió cambios, fue retocado en rodaje. O tal vez no, no lo sé. Pero por eso, porque no lo sé y lo critico, pido disculpas a los guionistas desde lo mas profundo de mi corazón. 

El montaje es un desconcierto. Yo pocas veces me fijo en el montaje de una película. Eso es bueno. Los entendidos cinéfilos, cinéfagos y los mismos cineastas dicen que ahí reside el merito de un buen montaje. Bueno, pues en esta película el montaje es un personaje más del que no te olvidas ni un momento.
Dirección. ¿Qué puedo decir de la dirección que no sea demasiado hiriente? No sé, en mi opinión: una novata pero pretenciosa puesta en escena, falta de humildad. Un quiero y no puedo con una dirección de actores mediocre que tiene como resultado interpretaciones in – creíbles, histriónicas. No te las crees. Leonor Watling, por ejemplo…es de lo peor que he visto en mucho tiempo. Y la nominarán al  Goya a mejor actriz, y si no al tiempo. Y una cosa más, mera anécdota:  Al salir del cine se comentaba que la película contaba con una dirección artística muy cuidada. Por favor, permitidme que discrepe. Un edificio del siglo XVI no estaba viejo y a punto del derrumbe en el siglo XVI. En ese momento, está nuevo, recién construido. Y sin embargo, lo que está nuevo en esta película, está tan nuevo que parece atrezzo de cartón piedra más típico de un capítulo de “Aguila Roja” que de una “superproduccióntipojolibiduense””
   Lope de Vega tuvo una de las vidas más interesantes y emocionantes de la literatura española. Una vida que podría proporcionar material para escribir mil películas. Desde luego, ni rastro, ni pizca de ella en esta cinta.

Yo le doy dos estrellas, y me paso. Pero todo sea por el galopar de los caballos.

Título: Lope

Título original: Lope

Dirección: Andrucha Waddington

País: España, Brasil

Año: 2010

Duración: 126 min.

Género: Drama, Biográfico

Calificación: Apta para todos los públicos

Reparto: Leonor Watling, Sonia Braga, Luis Tosar, Pilar López de Ayala, Alberto Ammann, Selton Mello, Antonio de la Torre, Miguel Ángel Muñoz, Antonio Dechent, Juan Diego, Félix Cubero, Carla Nieto, Ramon Pujol

Guión: Ignacio del Moral, Jordi Gasull

Web: http://www.lopelapelicula.es

Distribuidora: 20th Century Fox

Productora: Ikiru Films, Antena 3 Films, Conspiração Filmes, Toro Pictures, El

Casting: Eva Leira Marta Verdugo Pastor Yolanda Serrano

Departamento artístico: Alberto Feito, Arturo Revuelta, Francisco Escribano, Francisco Martinez, Isabel Viñuales, Jose Luis Saldaña, Monica Feito, Pablo Trasancos, Paco Escribano, Roberto Marchetti, Rudy Mercado

Dirección: Andrucha Waddington

Diseño de producción: Lilly Kilvert

Efectos visuales: Claudio Peralta, Daniel T. Müller, Marcelo Ferreira PeeJay, Marcelo Siqueira, Nills Bonetti, Rogério Marinho

Fotografía: Ricardo Della Rosa

Guión: Ignacio del Moral, Jordi Gasull

Maquillaje: Silvie Imbert

Montaje: Sérgio Mekler

Música: Fernando Velázquez

Sonido: Gustavo Loureiro, Jorge Saldanha, Mark Berger

Vestuario: Leticia Palomares Tatiana Hernández Tatiana Hernández

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Noche de insomnio, visito a la Señorita Impoluta

Como buen fantasma que soy, sufro de insomnio. Y las noches las paso de un lado a otro intentando que se hagan menos aburridas, largas, eternas. Dormir suspendida en la nada, es decir, flotar es complicado,  de modo que lo soluciono haciendo una visita a la señorita Impoluta. Ella también es una “insomniadora” empedernida que dedica las noches al bonito arte culinario. Ser un fantasma que padece insomnio es lo que tiene, me permite conocer mucho mejor a mis vecinos.

Es un placer colarme en su cocina y observarla mientras, con su delantal cincuentero, prepara algún plato suculento cuya receta extrae de un cuaderno viejo, escrito  con una cuidada caligrafía, y en cuyas pastas se lee:

“Recetas de mamá”.

La señorita Impoluta se conoce la receta de memoria pero siempre tiene el cuaderno abierto por la receta en cuestión para echar un ojo de manera mecánica entre fase y fase de la elaboración.

Es cierto que soy un alma en pena que no sabe hacer otra cosa no sea divagar, hacer el vago, ir al cine, escribir desde el sótano y colarme en el despacho de algún productor y hacerle trampas a ver si le cuelo algún guión. Pero también es cierto que manejo/manejaba?  los fogones casi mejor que el lápiz. ¡Debería haber acabado en las cocinas del Infierno en vez de andar mendigando halagos por productoras y editoriales!. Ay! otro gallo me hubiera cantado, y en vez de ser un fantasma, sería una señorita ¡contenta y feliz, siempre con las manos en la masa, siempre con harina en la nariz! ¡Oh, que rima más hortera!

 El caso es que este blog no es solo de cine, es de lo que a este fantasma le de la gana y por eso hoy os dejo la deliciosa receta que anoche preparó la Señorita Impoluta.

He de decir que llenó la casa de humo, pero le salieron unos rosquillos para chuparse los dedos..

Los rosquillos de la abuela” (fácil pero engorrosa).

“Medidas (por cada huevo que se emplee)

Receta para un huevo:

 3 cucharadas de leche,

3 de azúcar,

3 de aceite frito,

Un papelillo gaseoso,

Ralladura de limón,

Harina… la que pida, hasta que se puedan hacer bolitas con las manos untadas de aceite.

Elaboración:

Se bate el huevo, se incorpora el azúcar y se mezcla. Después la leche, el aceite frito y la ralladura de limón, todo en este orden; se echa un poco de harina y se mezcla; a continuación se va incorporando la harina hasta que la masa quede en el punto de poder hacer bolitas…

Luego, utilizas el molde o ya sabes, juntas dos bolitas les haces un agujero en el centro y las fríes en aceite abundante que no esté demasiado fuerte con el fin de que no se  ¹arrebaten y se frían bien por dentro. (Yo prefiero hacerlo manualmente en vez de con el molde para rosquillos).

Una vez fritos, cuando queden bien doraditos se sacan de la sartán se deján unos minutos sobre papel de cocina y se pasan por azúcar y canela.

(¹) “Arrebaten” en el lenguaje de cocina significa que el alimento en cuestión se hace rápidamente por exceso de fuego quedando crudo por dentro y no siendo ésta la manera en la que debe quedar.

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